100 anys de la mort de Tolstoi

100 anys de la mort de Tolstoi

Els cent anys transcorreguts des de la mort de Lev Tolstoi, que es compleixen precisament dissabte que ve, han fet créixer el valor de les seves grans novel·les i relats. L'aniversari ha convocat a les llibreries espanyoles reedicions fonamentals i el rescat d'algun curiós inèdit que aporta una nova llum a la gegantesca figura d'un escriptor que encara segueix irradiant influència. Sense anar més lluny, Freedom, l'última i celebrada obra del nord-americà Jonathan Franzen, pren com a referent Guerra i pau, la gran novel·la total del XIX, i demostra així que el model (o la seva aspiració) encara gaudeix de bona salut.

Per imaginar el que en el seu moment va significar la mort de Tolstoi, avui es pot recórrer (i no és broma) a Youtube. Un documental permet veure l'autor, en l'apogeu de la seva celebritat i pràcticament en olor de santedat per les seves inquietuds humanitàries. Surt agafant trens -inevitable pensar en el que acaba amb la vida d'Anna Karènina-, passejant a cavall amb bastant energia i, especialment, en la seva llegendària fugida final que, als seus 82 anys, el va portar a escapar del seu desgraciat matrimoni des de la seva hisenda de Iàsnaia Poliana fins a la perduda estació de tren d'Astàpovo, on es va trobar malament i on es van traslladar les càmeres dels noticiaris del moment per deixar constància en directe de les seves últimes hores, davant la consternació de Rússia i del món. El que va portar l'escriptor fins allà el 1910 seria un argument digne d'una de les seves grans novel·les. Excomunicat per l'Església ortodoxa gairebé una dècada abans, es va convertir en una espècie de profeta d'un cristianisme comunitari, en etern conflicte amb la seva dona, Sofia, que no va entendre que l'escriptor volgués regalar les terres i totes les seves possessions als servents. Una matinada no va poder més i d'amagat, acompanyat de la seva filla petita, Saixa, i d'un deixeble metge, va optar per marxar a la desesperada sense un destí definitiu. Va agafar una pneumònia i la febre no el va deixar seguir, i a Astàpovo, un sorprès cap d'estació li va cedir la seva màrfega, de la qual no ja no es va tornar a aixecar.

Els Diarios de Sofia Tolstoi (Alba), inèdits fins ara, i el recent Sobre mi padre, de Tatiana Tolstoi (Nortesur), filla gran de la parella, permeten entendre en profunditat aquell conflicte matrimonial de diferències irreconciliables en què a la dona li ha tocat sempre el paper de pèrfida histèrica. Sofia va començar el seu diari, paral·lel al que va redactar l'escriptor, poc després del seu casament, quan ella tenia 18 anys i ell 34.

Mauricio Wiesenthal, autor d'El viejo León (Edhasa), una semblança literària, surt en defensa de la dona: «Crec que se li han fet crítiques molt superficials, i només cal veure la recent pel·lícula La última estación, per adonar-se'n. Ella apareix al film com un monstre d'egoisme. No hem d'oblidar que va ser una dona molt conservadora, que va tenir 13 fills, dels quals van sobreviure vuit, però també va contribuir amb les seves atencions a engrandir l'obra del seu marit, ja que va passar en net cada una de les seves novel·les diverses vegades». Els records de la filla gran, hereva de la hisenda, que va arribar a dirigir el museu Tolstoi de Moscou i que a partir del 1925 es va exiliar a París i a Itàlia, busquen també l'exculpació de la mare.

Un altre llibre que explora la difícil relació de la parella, en clau de ficció, és la delicada novel·la El marido impaciente (Alfaguara), de la veterana periodista italiana Grazia Livi, que relata la lluna de mel dels Tolstoi, quan encara s'estimaven, en un ambient de mals presagis.

El retrat biogràfic de Wiesenthal reuneix les pàgines dedicades a l'autor en el Libro de réquiems i a Luz de vísperas, als quals s'hi ha afegit per a aquesta edició un àlbum fotogràfic i textos inspirats per les nombroses visites realitzades a Iàsnaia Poliana, «quan encara no s'havia convertit en un destí turístic». A aquest treball biogràfic s'hi unirà al desembre el de l'avui oblidat premi Nobel Romain Rolland, que editarà Acantilado.

Informació de: http://elperiodico.cat/ca/noticias/cultura-i-espectacles/20101117/cent-anys-sense-tolstoi/590582.shtml

Al 2010 celebrem els 235 anys del naixement de Jane Austen

Jane Austen va néixer fa ara 235 anys
La seva penetrant anàlisi de la societat de l'època, unida al seu magistral ús del la narració indirecta i de la ironia, fan d'Austen

una de les més influents i estimades novel·listes del segle XIX.
L'obra més popular d'Austen és Orgull i prejudici, que es considera un exponent de la seva astuta comèdia de costums. Austen també va escriure una sàtira de les llavors populars novel·les gòtiques d'Ann Radcliffe, L'abadia de Northanger, que va ser publicada pòstumament.
Adherint-se a una pràctica comuna entre les escriptores de l'època, Austen va publicar les seves obres de manera anònima; aquest fet va comportar que mai no s'integrés en els cercles literaris influents.
Les comèdies de costums d'Austen, especialment Emma, sovint es posen com a exemple de perfecció formal. Els crítics moderns continuen descobrint noves perpectives en els incisius comentaris d'Austen sobre la situació de les senyoretes solteres angleses dels últims anys de la dècada del 1790 i els primers de la dècada del 1800, una conseqüència de les lleis i costums en matèria d'herència, que atribuïen al fill mascle de més edat la pràctica totalitat de l'herència familiar.
Tot i que la carrera d'Austen va coincidir amb el moviment romàntic, no va ser una romàntica intensa i apassionada, podent trobar-se elements neoclàssics en la seva obra. Les emocions passionals, en les novel·les d'Austen, habitualment comporten perills: la dama jove que resa dues vegades al dia té més probabilitats de trobar la felicitat vertadera que aquella que fuig amb un amant capritxós. Els valors artístics d'Austen tenen més punts de contacte amb David Hume i John Locke que amb els seus contemporanis William Wordsworth o Lord Byron. Entre les influències sobre Austen cal destacar Samuel Johnson, William Cowper, Samuel Richardson,Walter Scott, George Crabbe i Fanny Burney.
Tot i que Austen no pren partit per l'emoció en el mateix grau que altres escriptors romàntics, també es mostra escèptica per l'actitud contrària - un càlcul i una fredor excessius sovint condueixen al desastre en les novel·les d'Austen.

A la biblioteca del centre trobaràs alguns títols del Premi Nobel d'enguany: Mario Vargas Llosa. Aquests són els llibres:

Pantaléon y las visitadoras
   Pantaleón Pantoja, un capitán del Ejército recientemente ascendido, recibe la misión de establecer un servicio de prostitución pata las Fuerzas Armadas del Perú en el más absoluto secreto militar. Estricto cumplidor del deber que le ha sido asignado, Pantaleón se traslada a Iquitos, en plena selva, para llevar a cabo su cometido, pero se entrega a esta misión con tal obcecación que termina por poner en peligro el engranaje que él mismo ha puesto en movimiento. Así arranca la novela de Mario Vargas Llosa, quien utiliza esta anécdota para subrayar la hipocresía de las instituciones que se llaman ejemplares y del oficio más viejo del mundo. El eterno debate entre verdad y mentira, entre necesidad y virtud, y las perniciosas consecuencias que depara a veces la observancia rigurosa del deber son valores fundamentales de esta extraordinaria novela.
 
  La casa verde

¿Cuál es el secreto que encierra La casa verde?
La casa verde ocurre en dos lugares muy alejados entre sí, Piura, en el desierto del litoral peruano, y Santa María de Nieva, una factoría y misión religiosa perdida en el corazón de la Amazonía. Símbolo de la historia es la mítica casa de placer que don Anselmo, el forastero, erige en las afueras de Piura.
Novela ejemplar en la historia del boom latinoamericano, La casa verde es una experiencia ineludible para todo aquel que quiera conocer en profundidad la obra narrativa de Mario Vargas Llosa.

Los cachorros

Con esta historia, centrada en un grupo de muchachos miraflorinos de los años cincuenta, uno de los cuales es castrado por un perro -de ahí el apodo-, Vargas Llosa no sólo despliega fuegos de artificio técnicos, sino que profundiza en la psicología del protagonista y de quienes le rodean. La narración apela a temores arquetípicos (la castración) y a sus consecuencias, más desgarradoras en una sociedad patriarcal y machista, recubierta sólo superficialmente por los criterios de la modernidad.

Mario Vargas Llosa, Premio Nobel de Literatura

Un intelectual comprometido

De izquierda a derecha: Gabriel García Márquez, Jorge Edwards, Mario Vargas Llosa, José Donoso y Muñoz Suaz, en casa de Carmen Balcells, en Barcelona (1974).

Cuando en 1959, con 23 años, llegó desde Lima a Madrid con los cuentos de Los jefes en la cartera y una beca para hacer el doctorado en la Universidad Complutense, Vargas Llosa se convirtió en un ciudadano del mundo que hoy tiene casa en las capitales peruana y española después de vivir en Barcelona, París y Londres. La lista de sus intereses es, además, tan extensa como el kilometraje que registra su pasaporte. Nadie más alejado de la tópica torre de marfil que el nuevo premio Nobel. Así, si su devoción por Thomas Mann le llevó a estudiar alemán en Berlín, su pasión por el fútbol no le ha hecho olvidar el orgullo que sintió el día que, siendo un niño, saltó a la cancha del Estadio Nacional para vestir la camiseta del Universitario contra el eterno rival, el Alianza Lima.
En un bar de la calle Menéndez y Pelayo de Madrid cercana a su pensión, El Jute, el entonces estudiante peruano pasó las tardes escribiendo La ciudad y los perros, la novela que se convirtió en un hito del boom latinoamericano y que inició un camino que en diciembre tendrá parada en Estocolmo. Medio siglo después, aquel muchacho inquieto es un intelectual que no ha perdido un ápice de su inquietud. Lo mismo acude los jueves a las reuniones de la Real Academia Española que visita el Museo del Prado, polemiza con los defensores de los populismos latinoamericanos o subraya el descubrimiento de un nuevo libro -de Irene Nemirovsky, Javier Cercas o Héctor Abad- desde las páginas de este periódico.
Si Vargas Llosa hubiera decidido ocuparse en exclusiva de cultivar su propia obra nadie se lo hubiera reprochado. En los últimos tres años, sin embargo, alternó la escritura de El sueño del celta con la lectura minuciosa de la narrativa completa de Juan Carlos Onetti. De allí saldría un ensayo dedicado al autor uruguayo, El viaje a la ficción. Esa misma generosidad la había demostrado ya, 40 años atrás, al escribir Historia de un deicidio, uno de los libros de referencia sobre Gabriel García Márquez. Pese al enigmático episodio que rompió la amistad de ambos escritores, Vargas Llosa incluyó ese título en sus obras completas, todavía en curso de publicación por el Círculo de Lectores.
Que este mismo año, siendo un abuelo de 74 años, se estrenara como autor de literatura infantil -con Fonchito y la luna (Alfaguara)- indica la capacidad de asombro y de trabajo de un hombre capaz de, con esos mismos 74 años, viajar al Congo para documentarse para su nueva novela y, de paso, como un reportero más, denunciar la resaca del colonialismo en África.

Era tal la devoción por Sartre del Vargas Llosa joven que sus amigos bromeaban con él llamándolo "el sastrecillo valiente". Años después, y lejos ya del pensador francés (que rechazó, por cierto, el Nobel), el escritor hispanoperuano sigue siendo un intelectual comprometido. En el sentido más estricto de la palabra comprometido. Liberal hasta el punto de ser tildado, con brocha gorda, de conservador, Vargas Llosa tenía, cada vez que se manifestaba públicamente, mucho que perder, empezando por el Premio Nobel.

Centenario Miguel Hernández (1910-2010)

Miguel Hernández. La sombra vencida

Por Andrés Ibáñez

Se dice (no sé si es una leyenda) que cuando murió Miguel Hernández, resultaba imposible cerrarle los ojos. Son esos mismos ojos grandes, brillantes como esferas de vidrio, que hemos visto representados en tantos retratos. En uno de sus últimos poemas, escrito en la cárcel y no recogido en ningún libro, escribe: «Yo que creí que la luz era mía / precipitado en la sombra me veo». Pero el poema (y con él, la Obra poética completa del poeta) termina con estos versos: «Pero hay un rayo de sol en la lucha / que siempre deja la sombra vencida».
El propio Miguel Hernández se describió a sí mismo a menudo como «cabrero poeta» (en un artículo publicado en la revista Destellos, editada por el gran amigo Ramón Sijé) o bien como «poeta pastor» o incluso «pastor poeta» («este pastor un poquito poeta», le escribe en una carta a Juan Ramón Jiménez). El padre de Miguel era cabrero, y el propio poeta fue iniciado en el oficio de pastor por su hermano Vicente cuando era un niño. Las montañas comenzaban justo detrás de la casita en la que nació Miguel en Orihuela, secas y desabridas laderas de ese paisaje levantino que tanto se parece al de Tierra Santa. Más tarde, la familia se traslada a otra casa en la Calle de Arriba, una vivienda amplia y cómoda con un jardín trasero en la que había un corral y algunos frutales.
Miguel Hernández estudió durante bastante más tiempo del que sería esperable en un muchacho tan modesto. En el colegio de jesuitas de Santo Domingo llegó a alcanzar los grados de «príncipe», «edil» y «emperador», títulos con los que los jesuitas distinguen a los buenos alumnos. Y enseguida comenzó a leer, primero en la biblioteca del canónigo Almarcha, que le introduce en los clásicos españoles y los grecolatinos traducidos, y luego bajo el influjo de Ramón Sijé, su gran amigo, un estudiante de derecho de orientación conservadora y católica que tenía grandes inquietudes literarias. Sus sucesivos viajes a Madrid, hasta el tercero, que es el definitivo, suponen un gran salto hacia adelante y una ruptura con el mundo provinciano y limitado de Orihuela. Sobre todo por influencia de Pablo Neruda, las ideas religiosas y políticas de Miguel Hernández comienzan a cambiar. El poema «Sonreídme», escrito en el período que va entre El rayo que no cesa y Viento del pueblo, uno de los pocos que escribiera sin rima, y que por esa razón tiene un tono más libre y moderno del que solemos asociar con su arte, es un buen indicador de esta crisis: «Vengo muy satisfecho de librarme / de la serpiente de las múltiples cúpulas / la serpiente escamada de casullas y cálices». Ramón Sijé le visita en Madrid y ambos amigos discuten de política, de poesía, de religión. Se sienten un poco distanciados, pero a los pocos meses el amigo muere, y Miguel se siente devastado. Escribe entonces la «Elegía a Ramón Sijé» que se ha hecho tan famosa y que entusiasmó al propio Juan Ramón Jiménez. El poema, hermoso y algo superficial, contiene un pequeño misterio: porque la elegía por la muerte del amigo parece, en realidad, una declaración de amor de encendida sensualidad.

 Hay siempre algo seráfico alrededor de Miguel Hernández. Tenía un rostro de niño ingenuo, marcado de cicatrices por una explosión de carburo que sufrió en la infancia. En seguida se hizo amigo de los poetas de la generación del 27, pero en Madrid no todo fueron aladas almas de rosas de almendro. García Lorca no sentía simpatía por él e intentaba evitarle, y es conocida la anécdota de Miguel llamándole «hijo de puta» a Alberti y recibiendo un bofetón de María Teresa León.

Fascina lo rápido que suceden las cosas en la vida literaria de Miguel Hernández. Perito en lunas, un experimento en octavas gongorinas, es de 1933. Su obra mayor, El rayo que no cesa, poemario de amor y de angustia, del 36. Ese mismo año comienza la guerra, y Miguel salta a una poesía de tipo social y político. Viento del pueblo (1937) es el libro optimista de la guerra, y del viaje a la Unión Soviética. El hombre acecha (1937-39) es el libro pesimista de la guerra. Los dos libros son desiguales, aunque contienen poemas de agonizante intensidad. Viento del pueblo se convertiría en el modelo de la poesía social de la posguerra, y se abre con unos versos célebres donde cada palabra vibra como un terremoto y trae una imagen inolvidable: «Atraviesa la muerte con herrumbrosas lanzas / y en traje de cañón, las parameras / donde cultiva el hombre raíces y esperanzas, / y llueve sal y esparce calaveras». Todo Miguel Hernández está aquí: la maravillosa perfección formal, el uso implacable del ritmo y de la rima, la asombrosa imaginación verbal, el tono a un tiempo moderno, casi surrealista, pero con una resonancia clásica, la lentitud poderosa en que la lengua se demora, como embrujada, para decir una por una la sucesión de palabras que son todas esenciales.

El Cancionero y romancero de ausencias (1938-1941) es un nuevo experimento donde Miguel explora los metros breves y la asonancia, en unos poemas que a menudo resultan intemporales y que suenan tanto a la «poesía desnuda» de cierta vanguardia como a la lírica popular del siglo xv. Este libro contiene las célebres «Nanas de la cebolla» pero también poesía infantil («El pez más viejo del río») y una curiosa reflexión, el poema 72 que comienza «El mundo es como aparece / ante mis cinco sentidos», donde el poeta parece buscar un nuevo camino hacia una lírica filosófica. Pero a Miguel Hernández ya no le queda tiempo. Tras la intercesión de varios intelectuales, Franco le conmuta la pena capital por la de treinta años. Antiguos amigos intentan ayudarle: José María de Cossío, Dionisio Ridruejo y otros falangistas le piden que reniegue de su pasado político para poder así aliviar su situación o incluso librarle de la cárcel. Pero Miguel se niega a abandonar «sus ideales». Su esposa se enfada con él y le dice que por su obstinación su hijo y ella están prácticamente en la miseria. Miguel Hernández Gilabert y Josefina Manresa celebran ahora el matrimonio religioso para que las autoridades permitan las visitas de Josefina. Poco después, Miguel muere.
El rayo que no cesa está dedicado «A ti sola en cumplimiento de una promesa que habrás olvidado como si fuera tuya». La misteriosa destinataria que se esconde tras estas palabras son, probablemente, tres mujeres. Una de ellas sería María Cegarra, poetisa que tuvo además el honor de ser la primera mujer perito químico en España. Miguel la conoció en el año 32, un año antes que a Josefina, en un homenaje a Gabriel Miró y le escribió varias cartas de amor, un sentimiento al que ella no correspondía. Es posible que el soneto «Yo sé que ver y oír a un triste enfada» esté dedicado a ella. Más corpóreo resultó su encuentro con la pintora surrealista gallega Maruja Mallo, en un momento en que su relación con Josefina estaba estancada. En esta pasión turbulenta y desquiciante encontramos la clave de uno de los poemas más complejos y extraños de Miguel Hernández, «Me llamo barro aunque Miguel me llame». «Me llamo barro» es el poema de la humillación sexual a los pies de una mujer dominante, una mujer a quien el poeta «idolatra» y que le «injuria» y le pisotea (los pies de la mujer, sus zapatos, el suelo, el barro, el polvo, son los temas obsesivos del poema) y que se comporta, en fin, como una «liebre libre y loca», un animal que tradicionalmente representa la lubricidad.
Muchos otros de los sonetos van dirigidos, claro está, a la que sin duda es la mujer que se esconde en la dedicatoria, la esposa Josefina Manresa, que sería el gran amor de Miguel Hernández. Por ejemplo «Me tiraste un limón, y tan amargo», que rememora una anécdota real, cuando Josefina le tira un limón a la cara y le hace una herida. Todos los sonetos de este libro son magistrales, y resisten cómodamente la comparación con los más grandes sonetistas del idioma, Góngora, Quevedo y Lope.
Más allá de su sino trágico, de su condición de símbolo de la represión franquista y del mito moderno del «poeta del pueblo», la poesía de Miguel Hernández resplandece como una de las grandes aventuras de las palabras, de la emoción y de las imágenes de la literatura española. En su poesía se unen la experiencia trágica y directa de la muerte y de la cárcel con una visión exaltada de la naturaleza y del amor, en una combinación única de rusticidad campesina y exaltación casi mística de la carne y de la vida. Miguel Hernández es, junto con Rubén Darío, uno de los grandes maestros de la forma poética de la lengua española, de la estrofa, del ritmo, de la rima. Sólo en Rubén Darío encontramos un virtuosismo similar en el arte de colocar las palabras en una estrofa y las sílabas en un alejandrino, de buscar rimas sorprendentes y vibrantes y de construir artefactos tan perfectos en el lenguaje que una vez escuchados no es posible olvidarlos.
Artículo extraído de  http://cvc.cervantes.es/literatura/escritores/m_hernandez/ibanez.htm

100 ANYS DE LA RESIDENCIA DE ESTUDIANTES (1910-2010)

 L’1 d’octubre de 1910 va obrir les portes a Madrid la Residencia de Estudiantes. Creada per la Junta para Ampliación de Estudios e Investigaciones Científicas (JAE), dirigida per Alberto Jiménez Fraud, i inspirada per la Institución Libre de Enseñanza (ILE), la Residencia s’arribaria a convertir, en paraules de Julio Caro Baroja, en el «primer centre cultural d’Espanya en dos decennis». Va ser un dels nuclis principals de modernització científica, educativa i social entre el 1910 i el 1936.

La Residencia va mantenir una vinculació especial amb Catalunya. Va afavorir la trobada entre els intel·lectuals catalans i els procedents de la resta d’Espanya, i va acollir alguns dels representants principals de la cultura catalana. L’escriptor i polític Pere Coromines, antic alumne de Francisco Giner de los Ríos a la ILE, apreciava ja el 1911 l’«ambient plácid, amable lloc de calma i de repós, aont tot pren un aire de senzillesa gentil» que es respirava a la Residencia.

Si voleu més informació, podeu visitar l'exposició al:

Palau Robert (BARCELONA)
del 20 de septiembre al 30 de noviembre de 2010